El esquema de color en el cine: una pequeña guía para no perderse

Ya lo explicamos brevemente por aquí: el color en el cine es un elemento importantísimo. Marca el tono psicológico, describe ambientes y personajes e incluso es capaz de provocar en nosotros ecos que conectan lo que cada tono simboliza para nosotros con lo que ahora estamos viendo en pantalla. El color es, en esencia, otra herramienta más que trabaja para lograr que la historia transmita una información u otra, y de la manipulación cromática depende en buena medida el poder y la belleza de las imágenes que logren los cineastas.

Vale, esto ya lo sabemos, pero: ¿cómo se hace cuando hay más de un color a la vez? ¿Cómo utilizan los profesionales la paleta de colores para crear determinados efectos? ¿Cómo se logra crear una armonía visual de la que se desprendan unas emociones y no otras? Si el otro día hablábamos de los tonos de color que usaban los coloristas, hoy nos sumergimos en cinco formas que tienen los directores de arte de alcanzar el efecto deseado.

Lo más importante: para trabajar esto los encargados de colorear la pantalla no pierden de vista la rueda de color, una herramienta básica para cualquier persona que trabaje en diseño y algo que, probablemente, le resulte familiar a muchos lectores.

La rueda de color o círculo cromático es una herramienta estandarizada que en su versión simplificada tiene 12 colores basados en el RYB (Red, Yellow, Blue, también conocido como modelo tradicional de coloración) y que ha sido ampliamente estudiada para controlar el efecto que se crea a la hora de juntar diversos tonos, para saber cómo estos van a interactuar entre sí. Hay ciertas combinaciones de colores que se han demostrado con el tiempo, sobre todo gracias al trabajo de los artistas plásticos, que son altamente exitosas y que logran fácilmente inducir placer en el espectador de la obra.

El más básico de la lista, este esquema funciona con colores que se ven como opuestos en la rueda de color, es decir, son su par complementario.

Es el estilo más empleado por los cinematógrafos y su vertiente más popular a día de hoy sea la del naranja más azul o plateado. Lógicamente, al estar en lugares opuestos de la paleta, lo usual es que se trate de un color cálido en combinación con uno frío, y por eso sacia y calma a la vista. Es un esquema que funciona de manera sencilla y que viene muy bien tanto para retratar acción externa como interna. Ahí arriba tienes un ejemplo, 'Barridos por la marea' de Guy Ritchie.

Otro ejemplo podría ser la suma de rojo y verde. A este grupo podríamos introducir películas como ‘Amelie’ de Jean-Pierre Jeunet.

Se parece al esquema complementario pero tiene una pequeña variación: en vez de buscar el color opuesto en la rueda utiliza dos colores de ese otro lado.

Mantiene ese mismo nivel de contraste que el grupo anterior pero difuminando la tensión que nos genera gracias al efecto de colocar dos colores complementarios en lugar de uno.

Puedes ver este esquema, entre otras, en los marrones, verdes y azules de ‘El Gran Gatsby’, la película de Baz Luhrmann.

Otro ejemplo del uso del esquema de color combinado, 'Donde Viven los Monstruos' de Spike Jonze.

Los colores análogos son esos que se encuentran en una posición cercana dentro del círculo cromático.

Se ajustan bien estando juntos y pueden así crear una armonía en la paleta de color, siempre que se mantengan dentro de ese esquema de mostrar sólo colores cálidos o sólo colores fríos para que no haya tensión entre los complementarios. Este esquema funciona muy bien para retratar exteriores y se los suele encontrar en la propia naturaleza, habiendo un color predominante, otro que sirva como acompañante y el blanco o el negro como tercera pata que sustente esta paleta y acentúe a los otros dos.

¿Esos ocres, amarillos y marrones de ‘Gattaca’? Justo eso, una paleta de colores análogos que alientan nuestro visionado mientras mantienen suficiente tensión entre ellos para hacer de sus imagines algo tenso y vibrante.

'Spring Breakers' de Harmony Korine también se adhiere a este esquema, pero optando por potenciar los colores rosados.

Este tipo de esquemas se componen de colores igualmente espaciados alrededor del círculo cromático y también aparecen levemente espaciados dentro de la rueda cromática. Uno sirve para comerse la pantalla y los otros dos para acentuar.

Despiertan nuestro sentido visual pero sin chirriarnos, ya que no deberían estar especialmente saturados. No es un esquema muy empleado y es especialmente difícil de recrear, pero aquí lo hace con soltura la cámara de 'Amacord (Mis Recuerdos)', la película de Fellini.

Por último, el esquema tetrádico, que como aparenta ser funciona con cuatro colores, en este caso espaciados y que crean en la imagen una sensación de rebosante (hay quien diría que excesiva) armonía.

Ojo, el estilo tetrádico no adquiere una forma cuadrada si lo miramos en la rueda de color, sino rectangular. Son dos pares de colores de los cuales dos se acercan más entre sí que de los otros.

El resultado de utilizar esta paleta es crear películas más vivas, y como ejemplo tenemos esta escena de ‘Irma la Dulce’.

Tetrádico es también el esquema de 'Los teleñecos conquistan Manhattan', dirigida por Frank Oz.

Una última cosa: si hasta ahora te has preguntado de dónde salen las imagines con las que hemos estado ejemplificando estos esquemas, es de la página de la diseñadora gráfica Roxy Radulescu, www.moviesincolor.com, un sitio desde el que su autora lleva ya tiempo poblando la red con sus pedagógicas muestras y que, si te gusta el apartado artístico del cine, merece mucho la pena ser visitado.